Jingdezhen 2026 Exposition Clay for Peace

Exposition Clay for Peace

Anja Seiler et Rashi Jain collaborent sur leur œuvre pour l’exposition « Clay for Peace ».
CLAY FOR PEACE « Clay for Peace » constituait un volet spécifique de l’exposition des résidences internationales de l’AIC, réunissant des œuvres collaboratives créées par des artistes en résidence de l’AIC durant leur séjour en Chine. Ces projets ont été élaborés en collaboration avec d’autres artistes en résidence, des membres chinois de l’AIC ou des artistes locaux, mêlant ainsi diverses pratiques artistiques, expériences et perspectives culturelles. À l’initiative de Jacques Kaufmann, ancien président de l’AIC, « Clay for Peace » repose sur la conviction que la collaboration artistique constitue un puissant vecteur de dialogue et de compréhension mutuelle entre les cultures. En travaillant ensemble l’argile, les artistes étaient invités non seulement à partager des techniques et des idées, mais aussi à créer un espace d’échange, de rencontre et de lien. En tant qu’ONG affiliée à l’UNESCO, l’AIC s’engage à promouvoir la paix et la compréhension interculturelle par le biais de la céramique. « Clay for Peace » concrétise cet engagement en transformant la création collective d’œuvres en céramique en un geste de dialogue et de solidarité.


PANORAMA ET EXPRESSIONNISME ABSTRAIT Antonio Fois (Royaume-Uni) et Babs Haenen (Pays-Bas)
Babs Haenen est reconnue internationalement pour sa pratique expressive de la céramique, façonnée par des influences allant de la peinture italienne aux formes organiques et aux rythmes de la nature. L’œuvre d’Antonio Fois se distingue par sa sensibilité picturale, puisant son inspiration dans l’imagerie viscérale et chargée d’émotion de Francis Bacon. Leur collaboration est née d’un langage artistique commun, réunissant des approches complémentaires de la forme, de la surface et de l’expression. Pour l’œuvre Panorama, Haenen a élaboré la pièce à partir d’une matrice en plâtre, en y pressant des plaques de porcelaine noire et blanche pour créer une surface dynamique évoquant le bas-relief. Fois est ensuite intervenu en appliquant des couleurs sous couverte et des émaux, enrichissant l’œuvre de gestes picturaux et d’une profondeur chromatique. La pièce qui en résulte témoigne d’un dialogue entre construction sculpturale et expression picturale. L’œuvre Abstract Expression approfondit cet échange. Composée de multiples éléments en porcelaine colorée réalisés par Haenen, elle a ensuite été peinte par Fois à l’aide de couleurs sous couverte et d’émaux. L’interaction entre la forme céramique et la surface peinte engendre une riche complexité visuelle, estompant les frontières entre sculpture et peinture. Cette collaboration s’est fondée non seulement sur une affinité artistique, mais aussi sur un lien personnel. La découverte d’intérêts communs et d’amitiés partagées à Londres a favorisé un sentiment de proximité et de confiance, jetant ainsi les bases d’un partenariat créatif significatif.


« SIT DOWN PLEASE »: UNE EXPERIENCE DE DIALOGUE Marina Rodriguez (Argentine) et Rosana Tagliari Bortolin (Brésil)
« Asseyez-vous, s’il vous plaît » est bien plus qu’une simple invitation à s’asseoir : c’est une incitation à partager, à écouter et à réfléchir. En prenant place sur le banc en céramique et en s’exprimant dans le dispositif d’amplification, les participants deviennent partie intégrante de l’œuvre. L’espace favorise l’écoute active, amplifie les voix et valorise chaque contribution, encourageant ainsi le dialogue et la compréhension collective. Cette expérience transforme le spectateur en participant actif, renforçant la collaboration et l’importance de l’expression au sein d’un environnement partagé.


FORMES DE DIALOGUE – 对话的形式 Antonio Fois (Royaume-Uni) et Lin Tianyu (Chine)
TianYu Lin et Antonio Fois sont des céramistes dont les démarches convergent autour d’un intérêt commun pour la calligraphie chinoise, les pierres de lettré (« scholar’s rocks ») et les traditions philosophiques inhérentes à ces formes culturelles. Leur collaboration est née d’une série d’échanges alors qu’ils travaillaient tous deux à Taoxichuan ; un intérêt partagé pour le langage, la matérialité et le patrimoine culturel a jeté les bases d’un dialogue artistique continu. Bien que leurs situations aient évolué après la fin de la résidence de Lin, le dialogue s’est poursuivi malgré la distance. Chaque artiste a développé son travail de manière autonome tout en restant lié à l’autre par un processus soutenu de discussion, de réflexion et d’influence mutuelle. Ce mode de collaboration — à la fois partagé et autonome — est devenu central au projet lui-même. Le projet s’articule autour du concept de « Nouvelle épigraphie » (新金石). S’inspirant de la discipline traditionnelle chinoise du « jinshi » (épigraphie), qui étudie les inscriptions anciennes sur bronze et sur pierre, la « Nouvelle épigraphie » réinterprète ces pratiques historiques sous un angle contemporain. Elle met l’accent sur la matérialité de l’écriture, la temporalité des processus céramiques et la manière dont le texte et l’objet co-créent du sens. Dans ce cadre, chaque artiste réagit à des sources littéraires et philosophiques classiques tout en élargissant les possibilités de la sculpture céramique comme médium d’expression calligraphique. Les œuvres qui en résultent associent l’interprétation par Lin du célèbre poème de Li Bai, « Invitation au vin » (将进酒), à l’exploration par Fois du caractère chinois « 中 » (Centre). À travers la rencontre du langage, de l’écriture, du texte, de la forme et de la pratique céramique, cette collaboration reflète une réflexion commune sur les traditions culturelles, les systèmes de signification et la capacité du dialogue à engendrer de nouvelles formes d’expression artistique.


DANS UN MONDE INSTABLE WORLD, LA POSSIBILITÉ D’UNE NOUVELLE VIE AU MILIEU D’UN CHAMP DE CŒURS BRISÉS Bernard Kerr (Australie) et Lana Rakanovic (Serbie)
Ce travail est né d’un dialogue continu sur les différences entre nos parcours de vie, nos cultures et nos modes de vie, ainsi que sur notre perception de l’actualité mondiale. Nous avons abordé des thèmes tels que l’optimisme et le cynisme, la condition humaine, le déterminisme culturel, le pouvoir, la corruption politique, ainsi que la place du capitalisme et du socialisme. Il s’agissait pour nous de trouver comment créer une œuvre en céramique traitant d’un sujet qui, bien que méritant la plus grande attention, risquait facilement de tomber dans la superficialité ou le cliché. Nous considérons le conflit humain comme inévitable ; Lana a vécu, durant son enfance, le conflit des Balkans et l’éclatement de la Yougoslavie, des événements dont l’héritage marque encore les esprits et les perceptions de ceux qui les ont traversés et qui vivent aujourd’hui dans cette région. Nous nous sommes accordés sur un point : si le conflit est inévitable, l’espoir, le renouveau et la renaissance constituent le seul salut pour l’humanité. Partant de choses infimes, nous avons choisi d’utiliser les rêves, l’espoir et la vie nouvelle — dans un monde instable — comme symboles de cet espoir au sein de notre œuvre. Le récipient repose sur une base conique inclinée, ce qui le rend intrinsèquement instable. Nous nous sommes inspirés de chaises pour enfants dotées de bases pivotantes, ainsi que de tasses en céladon conçues pour se redresser d’elles-mêmes. L’idée de graines en germination évoquait le renouveau et l’espoir, tout en faisant écho aux concepts taoïstes d’énergie innée et de naturel (le « pu »), ainsi que du « xing », cette bonté innée présente en chacun de nous. Le sol d’où émergent nos jeunes pousses est constitué de cœurs brisés. Chaque pousse est montée sur ressort, faisant de cette œuvre une création interactive et cinétique qui renvoie au « qi » et à l’énergie imprégnant tous les aspects de l’univers. Lorsque nous comprenons cela, la paix peut se manifester dans le monde. J’ai façonné les formes nécessaires au tour, tandis que Lana a réalisé les jeunes pousses. Nous avons ensuite assemblé l’œuvre ensemble. Cette collaboration a été une expérience enrichissante pour nous deux.


INTERROMPUS, MAIS TOUJOURS CONNECTÉS Piotr Marek Nowak (Norvège) et Diàna Boitmane (Lettonie)
Fragmentés, déplacés et transformés, des gestes à l’encre parcourent deux formes en porcelaine, suggérant que le lien perdure malgré l’interruption, la tension et la distance. Cette œuvre collaborative associe les formes sculpturales de Piotr Marek Nowak aux interventions graphiques de Diàna Boitmane. Les objets ont été moulés en porcelaine selon un processus de création partagé, tandis que des gestes à l’encre transférés introduisent un second langage visuel qui prolonge le dialogue à travers les surfaces. Dans le cadre de « Clay for Peace », l’œuvre invite à réfléchir sur la possibilité de transformer les barrières en dialogue.


TEINTES DE LA TERRE Anja Seiler (Suisse) et Rashi Jain (Inde)
De manière très intuitive, nous avons commencé à réaliser les formes sur lesquelles nous travaillions chacune de notre côté, à petite échelle, dans l’argile locale de Yixing. Tandis que Rashi travaillait sur des corps inspirés du « bloc non sculpté », Anja créait d’immenses récipients ressemblant à des amphores. Tout en nous demandant comment établir un lien entre nos pratiques et nos pièces, nous avons commencé à les associer afin de trouver une position où l’une soutiendrait l’autre. Les pièces s’appuient les unes sur les autres, se soutiennent et se positionnent à la recherche d’harmonie et d’équilibre. Afin de communiquer véritablement, nous avons associé les pièces en les assemblant de manière à ce que les deux volumes ne fassent plus qu’un. Nous avons tenté de trouver un moyen de les faire résonner en les utilisant comme un instrument rudimentaire, capable d’émettre et de recevoir des sons. Les ouvertures font office soit d’oreille, soit de bouche – selon la manière dont on souhaite exploiter leur potentiel communicatif. En les roulant dans l’argile, nous avons ensuite créé des traces qui marquent la naissance d’une nouvelle forme.


PAGODA – LOST IN TRANSLATION Heidi Mc Kenzie (Canada) et Alexander Perlin (Biélorussie)
Ce projet collaboratif « Clay for Peace » est né d’une amitié qui s’est nouée au Centre culturel et créatif Wang’ou Longquan Taoxichuan. Heidi McKenzie, originaire du Canada, et Alexander Perlin, originaire de Biélorussie, y ont trouvé un lieu de rencontre où la longue expérience d’Alexander en tant qu’artiste en Chine et l’idée d’Heidi de travailler avec des « empreintes vocales visuelles » ont pu se conjuguer. C’est un troisième résident, Bernard Kerr, originaire d’Australie, qui a fait remarquer que l’empreinte vocale, tournée sur le côté, ressemblait à une pagode chinoise. Nous avons choisi l’expression « lost in translation » (perdu dans la traduction) car elle joue sur l’idée du caractère à la fois difficile et enrichissant de notre expérience vécue en tant qu’étrangers communiquant au quotidien avec la communauté locale. Alex et Heidi ont développé ce concept et ont utilisé plusieurs moules à pression représentant des nœuds semblables à ceux du bambou. Ils ont choisi de réaliser les pièces à partir d’argiles locales, cuites dans un four à gaz avec des émaux « Longquan Ru » et des céladons ferreux. C’était la première fois qu’Heidi travaillait avec des émaux céladons, et la première fois qu’Alex utilisait des moules à pression. Les deux artistes ont collaboré à tous les aspects de la création de l’œuvre.


ACCEPTER SES IMPERFECTIONS Pep Boadas (Espagne) et Usine de porcelaine FU-YU de Jingdezhen
Cette installation est le fruit d’une collaboration avec la manufacture de porcelaine FU-YU, animée par la volonté de se connecter à l’une des réalités céramiques de la ville et de proposer des récits qui encouragent la réutilisation des matériaux céramiques. Ces compositions visent à jeter un pont entre deux mondes apparemment opposés, en créant des espaces de dialogue commun où la matière sert de lien entre des réalités diverses. En mettant l’accent sur les déchets, l’installation raconte des histoires à travers les imperfections et les erreurs inhérentes au processus créatif. Le projet met en lumière le potentiel des céramiques mises au rebut, en les transformant en un moyen d’expression et de connexion. Chaque pièce reflète l’histoire ancrée dans ces matériaux, invitant les spectateurs à repenser leur rapport aux déchets et à l’artisanat. À travers cette exploration, l’installation rend non seulement hommage aux pratiques céramiques traditionnelles, mais promeut également l’innovation et la durabilité. En suscitant une réflexion sur la beauté de l’imperfection et la valeur de la réutilisation, cette exposition vise à inspirer une compréhension plus profonde des récits qui peuvent émerger de matériaux négligés. Elle nous invite à voir au-delà des apparences et à apprécier les histoires qui façonnent notre environnement, encourageant ainsi une réflexion collective sur la manière dont nous pouvons redéfinir notre rapport aux matériaux dans la pratique contemporaine.


QUILLE AILÉE Sharbani Das Gupta (Etats-Unis) et Jiang Haochen (Chine)
La pièce a été modelée par Sharbani Das Gupta, puis émaillée et cuite par Jian Haochen, maître émailleur et artiste. Elle évoque les notions de stabilité et de vol, ainsi que l’équilibre entre les deux. Inspirée de la forme du sternum d’un oiseau, elle rappelle la quille massive qui maintient un navire à la verticale en mer.


SORORITÉ Shayonti Salvi (Inde) et Yang Hongge (Chine)
Des nuages dérivent au-dessus de Boshan tandis que la pluie de mousson s’abat sur Mumbai. Entre ces deux lieux éloignés, l’eau devient un lien discret — élémentaire et fluide. C’est cette même matière qui réunit deux artistes, l’un originaire de Chine et l’autre d’Inde, qui transforment chacun la silice selon des traditions différentes : l’un à travers le verre, l’autre à travers l’argile. Leur œuvre collaborative prend la forme d’une calebasse, symbole de la culture chinoise associé à la santé, à la prospérité et à la protection contre les mauvais esprits. Utilisée historiquement comme récipient et porte-médicaments, la calebasse incarne la guérison et la préservation de la vie. Ici, elle devient à la fois forme et métaphore : un réceptacle commun pour l’espoir et la coexistence. À une époque où les tensions entre les nations continuent de façonner le monde, les artistes trouvent une camaraderie à travers la matière et le processus de création. L’argile et le verre exigent patience, humilité et abandon ; ils nous rappellent que la fabrication est autant un acte d’écoute que de création. Bien que fragiles à l’état brut, ces deux matériaux ont besoin du feu pour se transformer. La cuisson au bois et le façonnage au four deviennent des processus par lesquels la chaleur et la flamme altèrent les matériaux, laissant derrière elles des traces de rupture et de beauté. Le feu devient ici un paradoxe : un élément de destruction qui engendre également force et permanence, tout comme la paix elle-même n’émerge souvent qu’à travers le conflit et la réconciliation.


ZEN, S’ASSEOIR DANS L’OUBLI – 禅止 / 禅，坐忘 Agnes Husz (Hongrie/Japon) et Zhian Wang (Chine)
Fruit d’une collaboration entre un calligraphe chinois et un céramiste européen résidant au Japon, cette installation réinterprète la pierre d’arrêt traditionnelle japonaise « Tome-Ishi » à l’ère contemporaine, en renouant avec ses racines philosophiques chinoises ancestrales. Au sein d’une œuvre d’art unique et unifiée, les essences du zen et du tao se croisent. Les textures organiques et terreuses de l’encre et de l’argile cuite contrastent délibérément avec le plastique blanc lisse, suscitant une réflexion sur l’équilibre entre l’industrie humaine et la nature sauvage. Agrandie à une échelle monumentale, la « tome-ishi » passe du statut de simple repère de jardin discret à celui d’une voix symbolique émouvante. Elle nous invite à ralentir, à faire une pause dans nos vies trépidantes et à nous tourner vers notre for intérieur, afin de trouver une paix profonde qui harmonise notre moi intérieur et le monde qui nous entoure.


LA PHYSIQUE DE LA COEXISTENCE Elizabeth Dychter (Uruguay) et Ji Hyun Chung (Corée du Sud)
Nous explorons les limites de l’argile et du lien. Les anneaux ovales reposent sur nos tables : l’argile « jade » d’Elizabeth, parsemée de traces de peinture vives, et l’argile « zisha » de Jihyun, riche en fer et imprégnée d’histoire locale. Ce projet est un exercice de correspondance structurelle ; nous construisons une colonne en alternant nos matériaux distincts. Il y a ici un décalage inhérent, une tension subtile née de l’empilement de deux masses d’argile totalement différentes, aux taux de retrait et aux compositions distincts. Pourtant, à mesure que les anneaux se touchent et s’élèvent vers le plafond de l’atelier, ils commencent à se soutenir mutuellement. C’est un équilibre fragile. La surface délicate et ornée de l’argile de jade et la force brute et sans fioritures de la terre sombre entretiennent un dialogue silencieux à travers le poids et le contrepoids, trouvant le moyen de coexister dans une forme unique et unifiée.


UN JARDIN DE DEUX TERRES Mariel Tarela (Argentine) et Ji Hyun Chung (Corée du Sud)
Sur la planche de bois, une conversation tranquille s’engage entre deux mondes différents. Mariel façonne ses histoires avec de l’argile d’un blanc immaculé, capturant une quiétude lumineuse et délicate. À ses côtés, je donne forme à mes pensées à l’aide d’argile Zisha — cette terre profonde et texturée, riche en fer, qui me relie au rythme historique de cette terre. Bien que nos origines et nos matériaux soient diamétralement opposés, nos doigts ont trouvé un langage commun à travers les plis rythmés de ces pétales de céramique. Ses fleurs blanches captent la lumière, tandis que mon argile sombre l’absorbe, créant ainsi une cartographie sensible de notre expérience commune de résidence. Il ne s’agit pas simplement d’une collection de fleurs en céramique ; c’est un portrait croisé de deux artistes qui se font mutuellement de la place, mêlant nos parcours culturels distincts en un seul et même jardin évocateur.


SUNA VENTO Vilma Villaverde (Argentine) et Kiti Kurarova (Russie)
La créativité, c’est la création de la communication. Ce projet est né de la communication et de l’interaction entre deux artistes de générations différentes, originaires de différentes régions du monde et ayant des approches distinctes du travail et des matériaux. L’installation associe de manière poétique des formes naturelles et artificielles, géométriques et non géométriques, soulignant la nécessité de réfléchir à leur asymétrie. Elle interroge également notre rapport à un monde hybride où l’artificiel se mêle au naturel et l’humain au non-humain, créant une hésitation entre l’objet authentique et l’objet reproduit. Ce projet concentre notre attention et permet une libre interprétation de différents sujets. Il met à profit la capacité de l’art à unir les gens et à les rassembler malgré leurs différences initiales.


DÉCONSTRUCTION Vlad Basarab (Roumanie) et Neha Gavand Pullarwar (Inde)
Ce projet explore la fragilité de l’existence contemporaine à travers le langage symbolique d’une architecture en ruine et de paysages fracturés. S’inspirant de l’effondrement des tours jumelles, la désintégration des structures créées par l’homme vise à nous faire réfléchir à la vulnérabilité de la condition humaine et à l’instabilité des systèmes dont dépendent les sociétés. Plutôt que de se concentrer sur les aspects destructeurs de la guerre, le projet examine le désir inhérent à l’être humain de paix et de résilience, ainsi que le besoin de guérison collective au lendemain d’une crise. L’installation se compose de deux tours en céramique, qui évoquent des structures architecturales au bord de l’effondrement. Ces deux éléments verticaux sont juxtaposés à deux récipients (des bols fabriqués à la main) — des objets historiquement associés à la nourriture, à la communauté et à la subsistance. Les bols deviennent des métaphores des ressources partagées et de la responsabilité collective, soulevant des questions urgentes concernant l’accès à l’eau à une époque marquée par une incertitude environnementale croissante. L’un des bols sera en porcelaine blanche et rempli d’argile fissurée, tandis que l’autre sera en grès noir et rempli d’eau. Les surfaces d’argile fissurées et les formes architecturales fragmentées font écho à la réalité croissante de la sécheresse, de la désertification et du déséquilibre écologique, associées à une humanité meurtrie. La terre elle-même semble blessée, ses fissures faisant écho à la fois aux fractures géologiques et aux divisions sociales. À travers la matérialité de l’argile, l’œuvre établit un lien entre le corps, la terre et l’environnement bâti, tous soumis à des forces de pression, de changement et d’impermanence. Au cœur de ce projet se trouve l’exploration de la tension entre l’effondrement et le renouveau. Le bol en céramique, malgré sa fragilité, reste un puissant symbole de bienveillance, de survie et d’espoir. Placés sous des structures instables, ces récipients suggèrent la possibilité de contenir, de préserver et de partager ce qui est essentiel à la vie. À travers la sculpture et l’installation, l’œuvre invite à réfléchir aux défis mondiaux contemporains, notamment la pénurie d’eau, la dégradation de l’environnement et les conflits, tout en cherchant à inciter le public à considérer la paix et l’interdépendance comme des fondements indispensables pour l’avenir. Le projet transforme l’argile en un lieu de mémoire et de résistance, où les fissures de la terre deviennent à la fois des avertissements et une invitation à la réflexion sur la transformation collective.


LA PAIX DANS LE MONDE, MAINTENANT – 世界和平当下 Studio DeSimoneWayland (Pays-Bas) et Baya (Chine)
Cette œuvre est le fruit d’une collaboration entre le Studio DeSimoneWayland et l’artiste calligraphe chinoise Baya Zhian. Le Studio DeSimoneWayland a sélectionné une assiette traditionnelle chinoise ornée d’un chrysanthème, a appliqué sa structure textile caractéristique sur sa surface, puis l’a moulée dans une porcelaine « Jade » unique provenant de Jingdezhen. Le studio travaillant principalement avec de la porcelaine non émaillée, ces pièces ont également été laissées non émaillées afin de mettre en valeur les détails complexes de la texture textile. En réponse, Baya Zhian a peint trois de ces assiettes à l’aide d’un émail sous glaçure au cobalt, sa calligraphie exquise épelant les caractères chinois 世界 (Monde), 和平 (Paix) et 当下 (Maintenant). Le Studio DeSimoneWayland a ensuite associé ces assiettes à trois autres sur lesquelles figure le même message en anglais : « World Peace Now ». Le fait de laisser la sous-glaçure au cobalt non émaillée donne un bleu indigo saisissant qui met magnifiquement en valeur la structure textile de chaque pièce unique. En rendant l’expression « World Peace Now » à travers deux cultures et deux langues distinctes, l’installation rappelle avec force que l’harmonie nécessite à la fois une unité mondiale et un ancrage collectif. Ce message revêt une urgence particulière au vu de la situation actuelle du monde.


HIBAKIJOMOKU: LES GRAINES DE L’ESPOIR Shalini Dam (Inde) et Maria Lamanna (Italie)
« Hibakijumoku » est le terme japonais désignant les arbres qui ont survécu aux bombardements atomiques d’Hiroshima et de Nagasaki en 1945. Ce projet est une proposition artistique collaborative, menée par Shalini Dam et Maria Lamanna, qui établit un lien entre l’élément primordial qu’est l’argile et l’héritage vivant de la paix. Le projet reconstitue une collection de graines et de feuilles issues des « Hibakijumoku », ces arbres d’Hiroshima et de Nagasaki qui ont survécu à la dévastation nucléaire de 1945. En intégrant ces symboles de résilience botanique au médium universel de la céramique, cette initiative incarne la mission fondamentale de la plateforme « Clay for Peace » de l’IAC : favoriser le dialogue interculturel, la guérison et la réconciliation mondiale. L’installation se compose de « Pods » suspendus contenant différentes graines d’Hibakujumoku : ginkgo, kaki, camélia, camphrier… Au-dessus d’eux sont accrochés des carreaux lenticulaires représentant symboliquement leur régénération sous un certain angle, tandis que sous un autre angle, on aperçoit les restes calcinés des arbres. Elle illustre ainsi, d’une part, la diffusion de l’espoir au-delà des frontières et la légèreté de la paix, tout en rappelant, d’autre part, le poids de l’histoire.


PORTAILS SANBAO Mari Emori (Etats-Unis) et Jackson Li (Chine)
Emori et Li ont collaboré pour explorer une même forme à travers trois techniques de fabrication différentes : le modelage à la main, le modelage à la plaque et le moulage. Jackson Li a émaillé chaque pièce.